Wie man anfängt, Kunst zu verstehen

An einem Donnerstagabend trifft eine Einladung zur Vernissage ein. Der Künstler wird anwesend sein, im Ausstellungstext ist von “Materialität” und “ortsspezifischen Interventionen” die Rede, und einige Gäste scheinen genau zu wissen, wie lange sie vor jedem einzelnen Werk verweilen sollen. Für jemanden ohne kunsthistorisches Studium kann es sich so anfühlen, als hätten alle anderen ein eigenes Vokabular erhalten.

Das haben sie nicht. Die meisten Menschen lernen nach und nach, wie man Kunst betrachtet: durch Wiederholung, Neugier, Gespräche und gelegentliche Momente völliger Verwirrung.

Verständnis Kunst Das bedeutet nicht, jede Bewegung erkennen oder die Absicht eines Künstlers erklären zu können. Es bedeutet, zu lernen, mehr wahrzunehmen. Warum hat ein Maler ungewöhnlich viel Leerrraum verwendet? Warum verändert sich eine Skulptur, wenn man um sie herumgeht? Warum könnte ein gewöhnlicher Stuhl in eine Galerie gehören? Warum wirkt das eine Foto wie ein Dokument, während das andere eher einem Traum gleicht?

Die Sprache ist zwar hilfreich, aber sie ist nur der Einstieg.

Fang mit dem an, was direkt vor dir liegt

Bevor Sie den Text an der Wand lesen, nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um sich umzuschauen.

Achten Sie auf die Größe, die Materialien, die Farben und die Komposition. Überlegen Sie, wohin Ihr Blick zuerst wandert und was ihn immer wieder zurückzieht. Ein Gemälde kann ausgewogen, überladen, theatralisch oder seltsam still wirken, noch bevor Sie etwas über sein Entstehungsdatum oder sein Motiv wissen. Diese ersten Reaktionen sind keineswegs naiv; sie sind Teil des Erlebnisses.

Versuchen Sie, Beobachtung und Wertung voneinander zu trennen. “Das gefällt mir nicht” beendet das Gespräch sehr schnell. “Die Farben wirken aggressiv” oder “Ich kann mir nicht erklären, warum die Figur so nah am Rand platziert wurde” bieten Ihnen Ansatzpunkte für weitere Gespräche.

Ebenso sinnvoll ist es, zu fragen, was das Werk physisch bewirkt. Muss es aus der Ferne betrachtet werden? Lohnt es sich, seine Oberfläche aus der Nähe genauer zu betrachten? Verändert es sich, wenn natürliches Licht darauf fällt? Bei Skulpturen und Installationen kann es unerlässlich sein, das Werk von allen Seiten zu betrachten. Bei Videos oder Performances wird die Zeit zum Teil des Materials.

Kunst lässt sich leichter verstehen, wenn man aufhört, von jedem Werk eine unmittelbare, ansprechende oder beruhigende Antwort zu erwarten.

Lerne die Sprache, ohne dich davon einschüchtern zu lassen

Ein paar Fachbegriffe werden den Besuch von Galerien und Gespräche deutlich erleichtern.

A mittel ist das Material oder die Form, mit der das Werk geschaffen wurde: Ölfarbe, Kohle, Bronze, Fotografie, Film, Stoff oder Fundstücke. Mischtechnik beschreibt eine Arbeit, bei der mehrere Materialien kombiniert werden.

A Diptychon besteht aus zwei miteinander verbundenen Feldern, während ein Triptychon hat drei. Diese Formate haben religiösen Ursprung, sind aber in der zeitgenössischen Malerei und Fotografie nach wie vor verbreitet.

Impasto Bezieht sich auf Farbe, die so dick aufgetragen wird, dass die Pinselstriche oder Spachtelspuren sichtbar bleiben. Vincent van Gogh ist ein naheliegendes historisches Beispiel, obwohl viele zeitgenössische Maler diese Technik wegen ihrer skulpturalen Wirkung nutzen.

Ein Installation ist ein Kunstwerk, das in einem Raum angeordnet ist und häufig Objekte, Klang, Licht oder Architektur einbezieht. Manche Installationen sind ortsspezifisch, was bedeutet, dass sie für einen bestimmten Ort geschaffen wurden und einen Teil ihrer Bedeutung verlieren würden, wenn man sie an einen anderen Ort versetzen würde.

A limitierte Auflage wird in einer festgelegten Auflage hergestellt. Ein mit „3/20“ gekennzeichneter Fotodruck ist der dritte Druck einer Auflage von zwanzig Exemplaren. Ein Künstlerabzug, meist mit „AP“ gekennzeichnet, gehört nicht zur nummerierten Auflage und wurde traditionell angefertigt, während der Künstler das Endergebnis überprüfte.

Ein Originaldruck ist nicht unbedingt eine Kopie eines Gemäldes. Lithografien, Radierungen, Holzschnitte und Siebdrucke können Originalwerke sein, die speziell im Rahmen des Druckverfahrens entstanden sind. Künstler wie Pablo Picasso, Henri Matisse, Käthe Kollwitz, Andy Warhol und David Hockney betrachteten die Druckgrafik als einen wichtigen Bestandteil ihres Schaffens.

A Giclée, Im Gegensatz dazu handelt es sich um einen hochwertigen Tintenstrahldruck, der häufig zur Reproduktion eines bestehenden Bildes verwendet wird. Er mag zwar wunderschön gestaltet sein, doch sein künstlerischer und marktbezogener Status unterscheidet sich von dem einer Original-Lithografie oder -Radierung.

Herkunft ist die dokumentierte Eigentumsgeschichte eines Werks. A Echtheitszertifikat bestätigt Angaben wie den Künstler, den Titel, das Medium, die Maße und die Auflage. A Zustandsbericht erfasst eventuelle Schäden, Restaurierungen oder Altersspuren. Diese Begriffe spielen eine Rolle, sobald es beim Kauf ernst wird, insbesondere auf dem Sekundärmarkt.

A Vernissage ist die Vernissage, die vor der offiziellen Eröffnung einer Ausstellung stattfindet. Trotz ihres etwas formellen Rufs ist sie oft einer der Orte, an denen man am leichtesten Künstler, Kuratoren und lokale Galeristen treffen kann.

Blick über die Malerei hinaus

In Einführungsgesprächen über Kunst steht die Malerei meist im Vordergrund, was zum Teil daran liegt, dass sie sich gut in Wohnräume einfügt. Doch das Lernen wird interessanter, wenn man den Begriff weiter fasst.

Die Bildhauerei lehrt einen, über Masse, Gleichgewicht, Textur und die Beziehung zwischen einem Objekt und dem es umgebenden Raum nachzudenken. Auguste Rodin nutzte den menschlichen Körper, um psychologische Spannungen auszudrücken; Constantin Brâncuși reduzierte Körper und Tiere auf polierte, puristische Formen; Barbara Hepworth erforschte die Beziehung zwischen festem Material, durchbrochenem Raum und Landschaft. Zeitgenössische Skulpturen können aus Stahl, Wachs, Textilien, Kunststoff, Erde oder ausrangierten Haushaltsgegenständen bestehen.

Die Fotografie kann sich zwischen dokumentarischer Darstellung, Porträtfotografie, Modefotografie, Abstraktion und inszenierter Fiktion bewegen. Ein Foto von Dorothea Lange muss anders gelesen werden als eines von Cindy Sherman, Wolfgang Tillmans oder dem Schweizer Fotografen René Burri. Die Kamera hält nicht einfach nur die Realität fest. Bildausschnitt, Zeitpunkt, Beleuchtung, Auswahl und Kontext bestimmen, welche Art von Realität uns gezeigt wird.

In der Performancekunst dienen der Körper, die Handlungen oder die bloße Präsenz des Künstlers als Kunstwerk an sich. Marina Abramović ist die international bekannteste Vertreterin dieser Kunstform, obwohl die Performancekunst auf eine lange Geschichte im experimentellen Theater, im Tanz, in der feministischen Kunst und im politischen Protest zurückblicken kann. Die Dokumentation mag in Form von Fotografien oder Filmen erhalten bleiben, doch das Originalwerk existiert oft nur für die Dauer der Veranstaltung.

Die Videokunst nutzt bewegte Bilder außerhalb der herkömmlichen Strukturen von Kino und Fernsehen. Sie kann auf einem einzelnen Bildschirm, über mehrere Projektionen hinweg oder als Teil einer Installation präsentiert werden. Künstler wie Bill Viola, Pipilotti Rist und Steve McQueen haben das Medium Video genutzt, um Themen wie Erinnerung, Identität, Technologie und den Körper zu erforschen.

Auch Textilien, Keramik, Glas und Schmuck haben ihre frühere Einordnung als dekorative oder angewandte Kunst hinter sich gelassen. Künstlerinnen wie Magdalena Abakanowicz, Sheila Hicks und El Anatsui haben gezeigt, wie Fasern und gewebte Materialien politische, architektonische und emotionale Bedeutung tragen können. Zeitgenössische Keramik kann skulptural, konzeptuell oder bewusst funktional sein. Die alte Hierarchie, die bildende Kunst vom Kunsthandwerk trennt, lässt sich immer schwerer aufrechterhalten.

Architektur, Mode und Möbeldesign verdienen aus ähnlichen Gründen Beachtung. Ein Gebäude oder ein Stuhl muss zwar seine Funktion erfüllen, vermittelt aber auch die Vorstellungen einer Epoche von Schönheit, Autorität, Technologie, häuslichem Leben und sozialer Ordnung. Ein genauer Blick auf die Werke von Le Corbusier, Eileen Gray, Charlotte Perriand oder Zaha Hadid kann denselben visuellen Instinkt schärfen, der auch in einer Galerie zum Einsatz kommt.

Museen gezielter besuchen

Der Versuch, ein großes Museum an einem einzigen Nachmittag vollständig zu besichtigen, ist ein sicherer Weg, sich kaum etwas davon zu merken.

Wählen Sie eine Etage, eine historische Epoche oder eine Raumgruppe aus. Nehmen Sie sich lieber mehr Zeit für zehn Werke, als flüchtig an zweihundert vorbeizugehen. Viele Museen veröffentlichen online die Höhepunkte ihrer Sammlung, sodass die Auswahl mehrerer Werke im Voraus dazu beitragen kann, dass sich der Besuch weniger zufällig anfühlt.

Beginnen Sie mit der ständigen Sammlung. Wechselausstellungen erhalten zwar mehr Aufmerksamkeit, doch die ständigen Ausstellungsräume zeigen, wie Institutionen eine kulturelle Erzählung gestalten: welche Künstler sie für wichtig erachten, wie sich Kunstströmungen entwickelt haben und welchen Platz die nationale Kunst im größeren europäischen oder internationalen Kontext einnimmt.

Audioguides können sehr hilfreich sein, wenn man sie gezielt einsetzt. Wenn man sich jeden Eintrag anhört, wird aus einem visuellen Erlebnis schnell eine Tortur. Wählen Sie die Werke aus, die Sie wirklich interessieren oder verwirren.

Besuchen Sie dasselbe Museum mehr als einmal. Vertrautheit verändert die Wahrnehmung. Ein Gemälde, das beim ersten Besuch unscheinbar wirkte, kann faszinierend werden, nachdem Sie verwandte Werke gesehen, sich über die Epoche informiert oder den Künstler an anderer Stelle wahrgenommen haben.

Auch Museumsshops sind gute Anlaufstellen, um eine Bibliothek aufzubauen. Ausstellungskataloge können zwar teuer sein, doch prägnante Leitfäden, Künstlermonografien und Einführungen in bestimmte Kunstströmungen sind oft erschwinglicher als umfangreiche wissenschaftliche Übersichtswerke.

Beginnen Sie mit der Kunstgeschichte Ihres eigenen Landes

Die internationale Kunstausbildung beginnt oft mit Florenz, Paris, Amsterdam und New York. Diese historischen Kontexte sind zwar wichtig, können jedoch dazu führen, dass den Menschen die Künstler, Institutionen und bildnerischen Traditionen, die ihnen am nächsten stehen, bemerkenswert fremd bleiben.

In der Schweiz bietet die regionale Vielfalt des Landes einen guten Ausgangspunkt. Die deutschsprachige, die französischsprachige und die italienischsprachige Schweiz haben jeweils eigene kulturelle Netzwerke entwickelt, während Künstler häufig zwischen lokalen Traditionen und der überregionalen europäischen Avantgarde hin- und herpendelten. Museen in Basel, Zürich, Bern, Lausanne, Genf und Lugano beleuchten verschiedene Aspekte dieser Geschichte.

Ferdinand Hodler bietet einen Zugang zur Schweizer Moderne. Seine Landschaften, Porträts und monumentalen Kompositionen verbinden genaue Beobachtung mit einer zunehmend symbolischen Bildsprache. Giovanni Segantini, der mit dem Engadin verbunden war, schuf mithilfe divisionistischer Farbgebung und alpiner Kulissen Werke, die sowohl intensiv körperlich als auch fast spirituell wirken.

Paul Klee beschreitet neue Wege. Der in der Nähe von Bern geborene und später mit dem Bauhaus verbundene Künstler bewegte sich mit ungewöhnlicher Freiheit zwischen Abstraktion, Musik, Zeichnung und visuellen Experimenten. Sophie Taeuber-Arp verband geometrische Abstraktion, Textildesign, Tanz, Skulptur und Architektur miteinander und ist damit aus keiner ernsthaften Auseinandersetzung mit moderner Kunst und Design wegzudenken.

Alberto Giacomettis langgestreckte Figuren sind international bekannt, gewinnen jedoch an Interesse, wenn man sie vor dem Hintergrund seiner Kindheit im Bergell und des Schaffens seines Vaters Giovanni Giacometti betrachtet. Jean Tinguely revolutionierte die Bildhauerei mit Maschinen, die sich bewegten, rasselten, zeichneten und sich manchmal selbst zerstörten, während seine Mitstreiterin Niki de Saint Phalle eine ganz eigene, lebendige Bildsprache entwickelte.

Die zeitgenössische Schweizer Kunst ist ebenso vielfältig. Pipilotti Rist ist bekannt für immersive Videoinstallationen, die reich an Farben, Klängen und veränderten körperlichen Perspektiven sind. Fischli und Weiss entdeckten Mehrdeutigkeit und Humor in alltäglichen Gegenständen, häuslichen Szenen und scheinbar einfachen Fragen. Urs Fischer arbeitet in den Bereichen Skulptur, Installation und Malerei und nutzt dabei oft Verfall, Maßstäbe und unerwartete Materialien, um vertraute Formen zu destabilisieren.

Die Fotografie bietet einen weiteren besonders vielversprechenden Ansatzpunkt. Robert Frank hat die Dokumentarfotografie mit seiner rastlosen, subjektiven Sichtweise Die Amerikaner. René Burri fotografierte politische Persönlichkeiten, Künstler, Architektur und das Leben der Nachkriegszeit auf mehreren Kontinenten. Zeitgenössische Fotografen wie Balthasar Burkhard und Hélène Binet haben sich mit dem Körper, der Landschaft und der Architektur auseinandergesetzt und dabei deutlich unterschiedliche Ansätze verfolgt.

Um die Schweizer Kunst zu verstehen, muss man über einzelne Namen hinausblicken. Während des Ersten Weltkriegs entstand in Zürich die Dada-Bewegung, die das Cabaret Voltaire zu einem Zentrum für Performance, Poesie, Klang und antibürgerliche Experimente machte. Später prägte das Schweizer Grafikdesign die internationale visuelle Kultur durch Typografie, Raster und disziplinierte Klarheit. Architektur, Plakatgestaltung, Fotografie und angewandte Kunst gehören daher ebenso in den Diskurs wie Malerei und Bildhauerei.

Eine nationale Kunstgeschichte ist keine Liste, die man auswendig lernen muss. Sie bietet einen Einblick darin, wie Landschaft, Sprache, Politik, Industrie und kultureller Austausch das Schaffen der Künstler beeinflussen.

Zu lokalen Vernissagen gehen

Eröffnungen kleiner Galerien gehören zu den besten Orten, um etwas zu lernen, da die Menschen, die die Werke geschaffen oder ausgewählt haben, oft selbst im Raum anwesend sind.

Machen Sie sich keine Gedanken darüber, mit einer anspruchsvollen Frage anzukommen. Fragen Sie den Künstler, wie die Serie entstanden ist, wie die Materialien ausgewählt wurden oder ob die Werke gemeinsam entwickelt wurden. Fragen Sie den Kurator, warum bestimmte Werke nebeneinander platziert wurden. Konkrete, unkomplizierte Fragen führen in der Regel zu besseren Gesprächen als der Versuch, sich als Kenner zu präsentieren.

Beobachten Sie, wie die Ausstellung gestaltet wurde. Der Abstand zwischen den Werken, die Höhe, in der sie aufgehängt sind, die Beleuchtung und der Rundgang durch die Räume – all dies beeinflusst die Interpretation. Kuratieren bedeutet nicht nur, gute Kunst auszuwählen, sondern Beziehungen zwischen den Werken herzustellen.

Lokale Ausstellungen geben zudem Einblicke in aktuelle Entwicklungen, noch bevor Künstler den Sprung in größere Institutionen oder kommerzielle Galerien schaffen. Manche Ausstellungen werden hervorragend sein, andere eher durchwachsen. Um einen eigenen Geschmack zu entwickeln, muss man mit beidem in Berührung kommen.

Weiterführende Literatur

Es gibt kein einzelnes Buch, das einem die Kunst näherbringt, obwohl bestimmte Arten des Lesens besonders hilfreich sind.

Eine umfassende, reich bebilderte Kunstgeschichte bildet den chronologischen Rahmen: Renaissance, Barock, Romantik, Realismus, Impressionismus, Moderne und die darauf folgende Vielzahl von Strömungen. E. H. Gombrichs Die Geschichte der Kunst ist nach wie vor eine viel gelesene Einführung, auch wenn ihr traditioneller westlicher Schwerpunkt durch neuere und geografisch umfassendere Darstellungen der Geschichte ergänzt werden sollte.

Künstlerbiografien helfen dabei, visuelle Entscheidungen mit der Persönlichkeit, dem Mäzenatentum, der Politik und dem Privatleben in Verbindung zu bringen. Von Künstlern verfasste Essays können sogar noch aufschlussreicher sein. David Hockney, Louise Bourgeois, Georgia O’Keeffe und Gerhard Richter haben alle umfangreiche Reflexionen darüber hinterlassen, wie sie arbeiteten und was Kunst ihrer Meinung nach bewirken kann.

Gute Ausstellungsrezensionen vermitteln Ihnen, wie Kritiker aus dem Gesehenen eine Argumentation entwickeln. Lesen Sie mehr als eine Rezension derselben Ausstellung. Meinungsverschiedenheiten sind nützlich, da sie zeigen, dass Interpretation kein Test mit einer einzigen richtigen Antwort ist.

Bei zeitgenössischer Kunst sind Galerietexte oft leichter zu verstehen, wenn man das Werk bereits gesehen hat, als wenn man sie vorher liest. Lesen Sie sie einmal durch, kehren Sie dann in den Raum zurück und entscheiden Sie, ob die Erklärung das Gesehene verdeutlicht oder lediglich mit beeindruckendem Vokabular aufwartet.

Verfolge jeweils nur ein Interesse

Die Kunstgeschichte ist zu umfangreich, um sie als vollständiges Lehrprogramm zu bewältigen. Ein individueller Ansatz ist oft ergebnisreicher.

Vielleicht interessieren Sie sich für Porträts. Beginnen Sie mit der Hofporträtmalerei, setzen Sie Ihren Weg über Rembrandt und Velázquez fort und beschäftigen Sie sich anschließend mit Alice Neel, Lucian Freud, Marlene Dumas oder Lynette Yiadom-Boakye.

Vielleicht interessieren Sie sich für Innenräume. Werfen Sie einen Blick auf die häuslichen Welten von Johannes Vermeer, Édouard Vuillard, Vilhelm Hammershøi und Pierre Bonnard und vergleichen Sie diese anschließend mit zeitgenössischer Fotografie und Installationskunst.

Mode kann den Weg zu John Singer Sargent, Tamara de Lempicka, Cecil Beaton, Irving Penn, Cindy Sherman und Wolfgang Tillmans ebnen. Ein Interesse an Gärten könnte von der visuellen Kultur Monets und Vita Sackville-Wests hin zu Land Art, botanischer Fotografie und Künstlern führen, die sich mit Ökologie beschäftigen.

Sobald ein Thema Ihre Aufmerksamkeit geweckt hat, prägen sich Stile, Epochen und Fachbegriffe ganz von selbst ein. Wissen lässt sich leichter behalten, wenn es einen emotionalen oder visuellen Anker hat.

Der Kauf von Kunst kann auch später erfolgen

Man muss kein Sammler werden, um Kunst ernst zu nehmen. Schon das Betrachten ist eine lohnende Beschäftigung.

Wenn Sie mit dem Kauf beginnen, sollten Sie sich zunächst auf Werke konzentrieren, mit denen Sie auch dann noch gerne leben würden, wenn ihr Marktwert niemals steigen würde. Aufstrebende Künstler, Studentenausstellungen, regionale Galerien, Fotobände und Originaldrucke können hochwertige Werke zu erschwinglichen Preisen bieten.

Erkundigen Sie sich nach dem Medium, der Auflagengroße, der Rahmung, der Provenienz und danach, ob die Galerie den Künstler vertritt. Bei Werken auf Papier sollten Sie sich nach archivtauglichen Passepartouts, UV-Schutzglas und der Einwirkung von direktem Sonnenlicht erkundigen. Bei Skulpturen sollten Sie sich über die Pflegeanforderungen des Materials informieren und klären, ob das Werk Teil einer Auflage ist.

Der Geschmack sollte sich erst entwickeln, bevor die Sprache der Geldanlage die Oberhand gewinnt. Ein bekannter Name, eine kleine Auflage oder ein angesagtes Medium können ein Werk, das einen kalt lässt, nicht wettmachen.

Gönne dir die Freiheit, nicht alles verstehen zu müssen

Manche Kunstwerke sind auf Anhieb verständlich. Andere erfordern möglicherweise einen historischen Kontext, und wieder andere bleiben auch nach sorgfältiger Betrachtung nicht überzeugend.

Das Ziel besteht nicht darin, alles zu bewundern, was in einer renommierten Galerie ausgestellt wird. Vielmehr geht es darum, genauer zu verstehen, warum dich etwas berührt, irritiert oder deine Aufmerksamkeit nicht fesselt. Mit der Zeit werden dir Namen und Strömungen vertraut, visuelle Zusammenhänge erkennen sich schneller, und einschüchternde Fachbegriffe verlieren ihre Macht.

Kunst zu verstehen beginnt weniger dramatisch, als es die Kunstwelt manchmal suggeriert. Besuchen Sie regelmäßig ein Museum. Lesen Sie über einen Künstler, dessen Werk Ihnen im Gedächtnis bleibt. Besuchen Sie eine Vernissage in Ihrer Nähe. Lernen Sie die Geschichte kennen, die sich um Sie herum entwickelt hat. Schauen Sie sich das Werk an, bevor Sie die Beschriftung lesen, und schauen Sie es sich danach noch einmal an.

Das Wissen sammelt sich fast unbemerkt an. Genauso wie das Selbstvertrauen.